O soar de Bach num Lagar | Terras Sem Sombra

O festival Terras Sem Sombra chegou a meio da sua programação no passado dia 28 de abril, em Ferreira do Alentejo, e superou todas as expetativas de quem já se habituou a invulgares surpresas. Num autêntico Roteiro de Sentimentos, o Lagar do Marmelo acolheu, pela primeira vez, o concerto da pianista norte-americana Pauline Yang que contemplou o público com uma viagem sonora entre Bach e Bolcom.

 

Para quem percorre os extensos quilómetros de olival antes de chegar a Ferreira do Alentejo, é impossível ficar indiferente ao majestoso lagar do conceituado azeite Oliveira da Serra edificado junto à estrada. É ali, na Herdade do Marmelo, que se encontra esta peça fundamental da arte contemporânea portuguesa, da autoria do arquiteto português Ricardo Bak Gordon, e que agora acolheu um espetáculo inesquecível. Também para a artista Pauline Yang foi uma estreia absoluta atuar num espaço industrial, onde cada tecla do piano se fez soar como uma gota de azeite. Numa parceria entre o Festival e a Embaixada dos Estados Unidos da América, quem não faltou ao evento foi a ministra conselheira Herro Mustafa, que já havia participado no Terras Sem Sombra no ano passado.

Diz-se que «escrever sobre música é como dançar sobre arquitetura», mas como é que o mestre do Barroco usou a Matemática, a Física e o poder de Deus para criar música de tão impressionante complexidade? Johann Sebastian Bach era um homem profundamente religioso e compôs cada uma das suas partituras para a maior glória de Deus. Até mesmo a música instrumental – que não tem letras religiosas – considerava uma maneira de louvar o Criador. A música de Bach foi feita através da fé, mas transcendia a fé. Ele humanizou a teologia luterana do seu tempo e tornou-a acessível a todos. Bach sofreu uma perda pessoal devastadora e a sua música, embora ocasionalmente saturada de tristeza, é de alguma forma consoladora. Isso é particularmente verdadeiro em relação às suas duzentas e estranhas cantatas, um impressionante conjunto de obras que formam o centro do seu universo musical. Não é por acaso que a sua música influenciou toda uma geração posterior de compositores e músicos, uma herança que se mantém até aos nossos dias.

Teoricamente, interpretar e dar sentido a Bach deve ser tão fácil de fazer quanto montar uma estante de livros da Ikea: começamos com as partes componentes, seguimos o manual, e conseguimos chegar ao resultado final. Mas é quando olhamos para a estante montada que nos debruçamos sobre o mais profundo enigma de Bach. Os músicos podem ouvir ativamente os processos harmónicos de Bach, de forma clara e sem ambiguidade, porque esses mesmos padrões harmónicos estão intimamente entrelaçados no nosso ADN cultural. Onde estaria o scherzo da «Sinfonia da Ressurreição» de Mahler, «Dumbarton Oaks» de Stravinsky, «The Village Green» dos The Kinks, o jazz progressista de Dave Brubeck e Lennie Tristano, ou «Lady Lynda» dos The Beach Boys sem Bach? E, no entanto, é muito possível tocar todas as notas devotamente e, ainda assim, deixar a música mal feita. Há uma parte de Bach que não podemos ter. Cientificamente, um mais um poderá sempre ser igual a dois, mas a música de Bach está mais interessada nos mistérios do porquê.

Para Bach, era imperativo que o seu material fosse à prova de balas, processos autogeradores, como cânones e fugas, uma vez desencadeados tiveram de se encaixar e seguir adiante com a lógica arquitetónica de um mapa do metro. Não havia tempo para desfazer ou corrigir. As «Variações Goldberg» – uma sequência de trinta variações na linha de baixo de uma ária, escrita perto do fim da sua vida, em 1741 – têm sido analisadas infinita e exaustivamente, linha por linha, nota por nota, voz por voz, como objeto musical, fenómenos matemáticos e ícone cultural. O trabalho que assombrou Glenn Gould e incluiu a sua carreira na gravação – uma adoração romântica e rockstar – foi igualmente revertido por especialistas em musicologia com a determinação de cientistas que tentam delatar a fórmula da Coca-Cola. A aritmética proporcional de Bach prova, aparentemente, um empate irresistível. Cada terceira variação é um cânone, e cada cânone imita progressivamente um passo adiante ao longo da escala. As variações circundantes alternam entre formas genéricas – danças, árias, uma fughetta e, no meio, uma imponente «French Overture» –,variações rápidas e livres de formas. É importante que os artistas atuais entendam essas relações numéricas subjacentes para que surja, enfim, um ponto de discussão, porque agora que sabemos que o mundo – dos macrófagos, ao nosso código genético e à geometria fractal – é construído a partir de sistemas equilibrados entre o racional e o caótico, a ciência, a acústica e o design inteligentes de Bach tornaram-se parte de um argumento mais amplo.

Bach não era um destruidor de fronteiras: os seus trabalhos encaixavam-se em todos os tipos de música que eram familiares no seu tempo. Mas o que ele fez dentro dessas fronteiras mostrou as possibilidades inexploradas que estavam dentro da música convencional. Esta é uma abordagem de música séria que os compositores de hoje em dia deveriam admirar. É típico da cultura ocidental moderna elogiar a originalidade por si mesma. Por isso, Beethoven é muito admirado por ter chocado os seus contemporâneos ao escrever uma música de piano que quebrou fisicamente os pianos do seu tempo. Por isso, John Cage aproveitou-se do impasse da performance de choque com alguns minutos de nada. Vivemos numa época em que tantas formas foram exploradas e tantas fronteiras transgredidas, que já nada nos choca. O ruído é agora confundido com a música, a tonalidade e a melodia, enquanto faz um retorno sem fim, fazem-no tímida e nervosamente em ambientes de música clássica. Mas isso significa que as possibilidades musicais foram aproveitadas; que a beleza, o pesar e a exaltação não podem mais ser evocados à força?

O exemplo de Bach diz-nos para repensarmos as nossas suposições sobre a boa música. Devemos considerar que muito do que torna uma arte excelente é o que se faz com as ferramentas disponíveis. A tonalidade, a melodia e os diversos estilos e técnicas de música que os empregam são as ferramentas disponíveis hoje em dia. Talvez o que mais importa não seja a originalidade das formas em que se compõe, mas a substância que se constrói com elas. Ser um grande compositor nos dias de hoje significaria dominar as técnicas de fazer música, já que Bach dominou as técnicas da sua época e as usou como o trampolim para criar uma arte que é nova e verdadeira – e que não tem vergonha de ser inteligível ou agradável. Ser um grande artista nos dias de hoje, talvez signifique ser como a própria Pauline Yang que, de olhos cintilantes e sorriso rasgado, aceitou o desafio de se sentar ao piano e viajar por um magnífico Roteiro de Sentimentos, num concerto inesquecível onde fez soar Bach num Lagar.

Fotos: Arlindo Homem

 

La Bohemie.

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